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L'art a été brutalisé par les géants de la technologie. Comment peut-il survivre ?
Il y a deux histoires que vous entendez sur le fait de gagner sa vie en tant qu'artiste à l'ère numérique, et elles sont diamétralement opposées. L'un vient de la Silicon Valley et de ses boosters dans les médias. Il n'y a jamais eu de meilleur moment pour être artiste, ça va. Si vous avez un ordinateur portable, vous avez un studio d'enregistrement. Si vous avez un iPhone, vous avez une caméra. GarageBand, Final Cut Pro : tous les outils sont à portée de main. Et si la production est bon marché, la distribution est gratuite. C'est ce qu'on appelle Internet : YouTube, Spotify, Instagram, Kindle Direct Publishing. Tout le monde est un artiste ; appuyez simplement sur votre créativité et mettez vos trucs là-bas. Bientôt, vous pourrez vous aussi gagner votre vie en faisant ce que vous aimez, tout comme toutes ces stars virales dont vous avez entendu parler.
L'autre histoire vient des artistes eux-mêmes, surtout des musiciens mais aussi des écrivains, des cinéastes, des gens qui font de la comédie. Bien sûr, ça va, vous pouvez mettre vos trucs là-bas, mais qui va vous payer pour ça ? Le contenu numérique a été démonétisé : la musique est gratuite, l'écriture est gratuite, la vidéo est gratuite, les images que vous publiez sur Facebook ou Instagram sont gratuites, car les gens peuvent (et doivent) simplement les prendre. Tout le monde n'est pas artiste. Faire de l'art prend des années de dévouement, et cela nécessite un moyen de soutien. Si les choses ne changent pas, beaucoup d'art cessera d'être durable.
Pourtant, les gens font encore de l'art. Plus de monde que jamais, en fait, comme aiment à le souligner les technophiles. Alors, comment arrivent-ils à le faire ? Les nouvelles conditions sont-elles tolérables ? Sont-ils durables ? Que signifie, concrètement, fonctionner en tant qu'artiste dans l'économie du XXIe siècle ?
Être un artiste a toujours été difficile, mais la difficulté compte. Comment dur affecte combien vous obtenez pour faire votre art, par opposition à votre travail quotidien, et donc à quel point vous devenez bon. La difficulté affecte qui peut le faire en premier lieu.
La différence maintenant est que c'est difficile même si vous rencontrez le succès : si vous atteignez des auditeurs ou des lecteurs, gagnez le respect des critiques et des pairs, travaillez régulièrement et à plein temps sur le terrain. J'ai discuté de ces questions avec Ian MacKaye, leader des groupes hardcore Fugazi et Minor Threat, et figure de proue de la scène musicale indépendante depuis le début des années 1980. Je connais beaucoup de cinéastes, a-t-il dit, qui ont investi leur cœur et leur âme et tout leur argent dans des projets bien avant Internet qui ont perdu leur putain de cul, parce que pas assez de gens voulaient voir leur film. Et c'est comme il se doit. Le problème maintenant, c'est que tu perds souvent ton putain de cul même si suffisamment de gens veulent voir ton film, lire ton roman, écouter ta musique.
Si beaucoup d'entre nous sont inconscients du sort des artistes dans l'économie contemporaine, il y a une raison évidente à cela. Non seulement il y a beaucoup d'art en cours de création; il y en a beaucoup, beaucoup plus, à moindre coût, que jamais. Pour les consommateurs d'art, il n'y a jamais eu de meilleur moment, du moins pas si vous assimilez la quantité à la qualité, ou si vous ne vous inquiétez pas trop des travailleurs à l'autre bout de la chaîne d'approvisionnement. Nous avons d'abord eu la restauration rapide, puis nous avons eu la mode rapide, maintenant nous avons l'art rapide : musique rapide, écriture rapide, vidéo rapide, photographie, design et illustration, fabriqués à bas prix et consommés à la hâte. Nous pouvons nous gaver à notre guise. Dans quelle mesure ces produits sont-ils nourrissants et dans quelle mesure les systèmes qui les créent sont-ils durables sont des questions que nous devons nous poser.
La façon dont les artistes sont payés (et combien) affecte l'art qu'ils font, l'art que nous expérimentons, l'art qui marque notre âge et façonne notre conscience. Cela a toujours été le cas, et cela signifie que nous obtenons plus de ce que nous soutenons, moins de ce que nous ne soutenons pas. L'art vraiment original - expérimental, révolutionnaire, nouveau - a toujours été une affaire marginale. Dans les bons moments pour les arts, une plus grande partie est entraînée à travers la ligne de viabilité, où elle est capable de survivre - où l'artiste peut rester et continuer à le faire - jusqu'à ce qu'elle puisse être reconnue. Dans les mauvais moments, une plus grande partie est entraînée dans l'autre sens. Quel art se donne-t-on au 21ème siècle ?
Ce sont les gens qui paient pour l'art qui déterminent, directement ou non, ce qui est produit : mécènes de la Renaissance, spectateurs de théâtre bourgeois du XIXe siècle, public de masse du XXe siècle, bailleurs de fonds publics et privés, mécènes, collectionneurs, etc. . L'économie du 21e siècle a non seulement aspiré beaucoup d'argent des arts, mais elle l'a également déplacé de manière imprévisible et en aucun cas totalement mauvaise. De nouvelles sources financières sont apparues, notamment les sites de financement participatif ; les anciens reviennent, comme le mécénat privé direct ; certains existants se renforcent, comme l'art de marque et d'autres formes de parrainage d'entreprise ; d'autres s'affaiblissent, comme l'emploi universitaire. Tout cela change aussi ce qui est fait.
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Internet permet un accès direct au public et à l'artiste. S'il affame la production professionnelle, il favorise le genre amateur. Il favorise la vitesse, la brièveté et la répétition ; nouveauté mais aussi reconnaissable. Il privilégie la flexibilité, la polyvalence et l'extraversion. Tout cela (et bien plus encore) change également ce que nous pensons de l'art : changer ce que nous pensons être bon, changer ce que nous pensons être de l'art.
L'art lui-même survivra-t-il ? Je ne parle pas de créativité ou de fabrication de choses - jouer de la musique, dessiner des images, raconter des histoires. Nous avons toujours fait ces choses et nous le ferons toujours. Je veux dire une notion particulière de l'art - l'art avec un A majuscule - qui n'existe que depuis le XVIIIe siècle : l'art en tant que domaine autonome de création de sens, non subordonné aux anciens pouvoirs de l'Église et du roi ou aux nouveaux pouvoirs de la politique et de la marché, soumis à aucune autorité, aucune idéologie et aucun maître. Je veux dire l'idée que le travail de l'artiste n'est pas de divertir le public ou de flatter ses croyances, de ne pas louer le seigneur, le groupe ou la boisson pour sportifs, mais de dire une nouvelle vérité. Cela survivra-t-il ?
La production et la distribution peuvent maintenant être bon marché ou gratuites, mais ce ne sont pas les véritables coûts de la création artistique. Les deux principaux coûts sont de rester en vie pendant que vous le faites et de devenir un artiste en premier lieu, et ceux-ci ont tous deux grimpé en flèche.
Rester en vie signifie principalement un loyer, et le loyer médian aux États-Unis a augmenté d'environ 42 %, corrigé de l'inflation, depuis 2000. Cela signifie également de la nourriture, des vêtements et des transports. Ajoutez à cela le fait que les artistes ont tendance à rassembler des sources de revenus à temps partiel, dont aucune n'apporte d'avantages sociaux, une circonstance qui les expose encore plus que les autres travailleurs au coût sans cesse croissant des soins de santé. Être capable d'apprendre et de perfectionner votre métier signifie également des équipements tels que des instruments et des fournitures d'art; le logiciel n'est pas bon marché non plus.
Le temps de création, pour être utile, doit être exempt d'interruption. Vous avez besoin d'espace pour sombrer dans votre transe. Mais l'interruption est inévitable dans l'économie de l'attention, qui se concentre sur le trio imbriqué de l'auto-marketing, de l'auto-promotion et de l'auto-image de marque. C'est vrai, il faut le dire, même si vous ne le faites pas, à proprement parler, vous-même. Même si vous êtes toujours affilié à l'industrie culturelle, vous devez en faire beaucoup. Les auteurs, par exemple, fonctionnent désormais efficacement en tant que partenaires de leurs maisons d'édition dans le travail de marketing et de publicité - une attente, m'a dit un initié de l'industrie, qui semble être incluse dans l'avance. Autrefois, quand vous terminiez un roman, remarquait un jour Martin Amis, vous le rendiez simplement et c'était tout.
Jeff Tayler (pseudonyme) était le leader et la force créatrice d'un groupe indépendant en plein essor lorsqu'il s'est complètement éloigné de la musique, tellement il en avait marre de toutes les demandes promotionnelles de leur label : maintenir une constante présence sur les réseaux sociaux ; pour publier des photos, des vidéos et des pistes musicales ; bloguer sur leurs émissions ; pour atteindre et répondre aux journalistes musicaux et aux blogueurs. Ils ne veulent pas de groupe, m'a-t-il dit à l'époque. Ils veulent une émission de télé-réalité. Plus tard, il a dit, je voulais écrire, et je voulais réfléchir, et je voulais aller en profondeur, mais je ne pouvais pas vraiment, car j'étais constamment appelé à la surface. Pourtant, ce n'est pas comme s'il avait le choix, quoi que le label ait pu vouloir, car vous vous débrouillez à peine professionnellement. Vous êtes peut-être populaire et vous avez des fans, mais vous avez besoin de toute l'aide possible. Donc, vous acceptez de faire cette septième interview pour un blog musical - c'est un jeune de 15 ans dans le grenier, [mais il] pourrait en fait avoir une tonne d'abonnés - même si cela détruira votre journée. Tayler ne pouvait plus faire de musique. Il était trop occupé à être musicien.
Tayler ne pouvait plus faire de musique. Il était trop occupé à être musicien.
Vous n'avez pas besoin de détester les réseaux sociaux pour ressentir cela. Il est possible d'être jeune, adepte du marketing social, et néanmoins intensément ambivalent à ce sujet. Cela peut, en effet, être plus la norme que l'exception. L'illustratrice Lucy Bellwood, née en 1989, maintient une présence solide sur de multiples plateformes et a un palmarès réussi sur Kickstarter et Patreon. À quoi cela ressemble-t-il d'essayer de forger une connexion humaine réelle et vulnérable avec 7 000 personnes sur un profil Twitter ? elle se demandait. On nous demande d'étendre les limites de ce qui serait généralement vos amitiés les plus intimes à des étrangers, et cette connexion est le ciment qui maintient votre vie fiscale ensemble. Et c'est à la fois vraiment magique pour moi et aussi totalement terrifiant.
Le fait central de la situation de l'artiste maintenant est qu'il n'y a plus rien pour vous protéger du marché. Les artistes ne représentent pas un type particulier d'acteur économique : ils appartiennent plutôt à leur époque. Ils étaient artisans quand les artisans étaient communs ; ils étaient des professionnels à l'ère des professionnels, et des bohèmes à une époque où la bohème fleurissait. C'est donc au 21ème siècle. Nous vivons à une époque d'atomisation économique, une époque où nous sommes de plus en plus nombreux à ne pas être des professionnels durablement attachés à des institutions, ni des travailleurs durablement attachés à des employeurs, et, Dieu sait, non pas des entrepreneurs, mais simplement des producteurs : particules libres sur le marché, trouver le travail qu'on peut pour l'argent qu'on peut, et s'exposer sans protection aux caprices du marché.
Opérer sur le marché inculque une personnalité de marché. À l'ère du numérique, l'artiste est infailliblement génial, joyeux, racontable. Les artistes d'aujourd'hui sont des gens familiers, humbles et réguliers. Ils ont besoin d'engager leur public, donc ils s'engagent. Leurs partisans se tournent vers eux pour trouver l'inspiration, alors ils sont encourageants. Ils sont indulgents et sérieux, sans colère ni avantage. Et qu'est-ce que cette personnalité - cette personnalité qui reste positive, effacée, souriante et cireuse de chaussures - si ce n'est une personnalité commerciale ? C'est le sourire du vendeur, la chaleureuse poignée de main du vendeur, car le public est désormais une clientèle et le client a toujours raison.
Les marchés, lorsqu'ils fonctionnent correctement, sont des mécanismes de transmission des signaux du désir.
Le marché, tel qu'il a été modifié par Internet, a également accéléré le rythme traditionnel de la production artistique. On imagine l'effet d'un tel climat sur les nerfs des artistes, sans parler de leur moral. L'effet sur l'art est également clair. L'ironie, la complexité et la subtilité sont de sortie ; le jeu est gagné par le bref, le clair, le fort et le facile à saisir.
Inutile de dire qu'Internet n'a pas donné naissance au genre d'art qui sollicite une réponse plus purement viscérale, ou qui fait appel au plus petit dénominateur commun, ou qui n'est construit que pour durer une journée. Mais cela a tout forcé sur le même terrain de jeu pour concourir dans les mêmes conditions - des conditions qui favorisent fortement un tel travail. Avant l'arrivée d'Internet, nous lisions des romans dans des livres et des histoires dans des magazines, écoutions de la musique sur la chaîne stéréo ou à la radio, regardions des films au cinéma et des émissions sur des téléviseurs et regardions des images dans des musées, des galeries ou des livres d'art. Chaque formulaire avait ses formats distincts, et passer de l'un à l'autre était un processus relativement long (ainsi que d'ajustement du cerveau). Maintenant, nous prenons toutes les formes en un seul endroit, et nous pouvons basculer entre elles dans le temps qu'il faut pour taper du doigt.
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J'ai demandé à mes élèves de rendre leurs téléphones portables et d'écrire sur la vie sans eux Voici ce qu'ils avaient à dire.Le derby de l'attention darwinien se produit non seulement entre les différents arts, mais aussi en leur sein. L'enregistrement de jazz rivalise avec la chanson pop, l'histoire du New Yorker avec le listicle, le film indépendant avec la vidéo YouTube. Avant Internet, il était peu probable que quelqu'un qui lisait la Paris Review s'arrête soudainement et prenne un exemplaire du National Enquirer. Ils n'en avaient pas et ils n'en avaient probablement jamais ouvert. Mais maintenant, le mouvement équivalent, alors qu'Internet tire pour toujours sur notre manche, est toujours une possibilité imminente.
Non seulement tout doit rivaliser avec tout le reste, mais tout doit rivaliser, point final. Dans le passé, l'un des principaux moyens par lesquels l'industrie de la culture soutenait des œuvres plus subtiles, plus réfléchies ou plus ambitieuses sur le plan artistique était l'interfinancement. Le divertissement a payé l'art : le thriller a soutenu la poésie, la pop star a soutenu la fille à la guitare, le blockbuster a fait flotter la division art et essai. Les magazines et les journaux étaient eux-mêmes une forme de subventions croisées, les reportages sur la mode ou les reportages sportifs rendant possible la fiction ou l'investigation approfondie. Les albums aussi : le single à l'avant, pour la radio ; les coupes profondes pour l'art et l'âme. Mais maintenant, c'est chaque baignoire sur son propre fond. Tout a été dégroupé; chaque chanson, chaque histoire, chaque unité doit payer pour elle-même. Plus de coupures profondes.
Quand le marché est tout, tout est aspiré par le marché.
Il n'y a pas de réponse unique aux problèmes de l'économie des arts. Il n'y a que beaucoup de partiels, de petits. Dans la mesure où il existe des réponses plus larges, elles se situent entièrement en dehors des arts. Pour réparer l'économie des arts, en d'autres termes, nous devons réparer l'ensemble de l'économie. Ce qui veut dire, puisque la seule réponse efficace au pouvoir de la richesse concentrée est le pouvoir de l'action coordonnée, qu'il faut s'organiser.
Les artistes, comme je l'ai expliqué, ne sont pas seulement des travailleurs. Ce sont aussi des capitalistes miniatures : des gens qui produisent et vendent leur travail sur le marché libre. Ici, en effet, ils s'organisent. Plus d'un plan est en cours, par exemple, pour développer un registre blockchain (la même technologie qui est utilisée dans les crypto-monnaies comme Bitcoin) pour réparer une injustice de longue date, et particulièrement exaspérante : l'absence d'une redevance de revente pour l'art. Quand quelqu'un achète une de vos œuvres et la revend 10 ans plus tard, disons, pour cinq fois plus, vous n'en voyez pas un centime, même s'il s'agit généralement de votre propre productivité continue - la valeur du travail que vous avez fait dans l'intervalle - qui est responsable de cette appréciation. Un registre permettrait aux artistes de conserver une participation au capital de leur œuvre (c'est-à-dire une fraction de propriété), le chiffre habituellement proposé étant de 15 %. Une version est développée par Amy Whitaker, l'écrivain et éducatrice, en collaboration avec d'autres ; un second est dans les œuvres de Working Artists and the Greater Economy, une organisation militante basée à New York. Ce dernier comprendrait également un ensemble de droits moraux : le droit de participer à la manière dont l'œuvre est présentée, de la récupérer pendant quelques mois chaque année, de bloquer son utilisation comme instrument financier. Il s'agit d'établir le principe selon lequel une œuvre d'art n'est pas simplement une autre marchandise.
Ces efforts et ces propositions sont admirables. Ils sont aussi manifestement sans commune mesure avec l'ampleur du problème global. Ce n'est pas de leur faute, cela ne signifie pas non plus qu'ils ne valent pas la peine d'être faits. Le problème commence avec Giant Tech. La Silicon Valley en général, et les géants de la technologie en particulier - surtout Google, Facebook et Amazon - ont organisé un transfert de richesse vaste et continu des créateurs aux distributeurs, des artistes à eux-mêmes. Plus le contenu est bon marché, mieux c'est pour eux, car ils mesurent le flux - en comptant nos clics et en vendant les données résultantes - et ils veulent que ce flux soit aussi fluide que possible. Toute véritable solution doit également commencer par là.
Pratiquement tous ceux à qui j'ai parlé à ce sujet préconisent une refonte de la Digital Millennium Copyright Act, la DMCA, qui a été conçue pour mettre à jour la loi sur le droit d'auteur à l'ère numérique. Lorsque la loi a été votée, en 1998, Google avait cinq semaines, YouTube n'existait pas encore, Mark Zuckerberg commençait le lycée et Napster était à un an du lancement. Il n'a pas été conçu pour lutter contre le piratage à l'échelle qui était sur le point d'éclater.
Le retrait doit devenir inactif, de sorte que les fichiers ne peuvent pas être réinitialisés. Un tribunal des petites créances devrait être établi pour violation du droit d'auteur, afin que les artistes individuels, et pas seulement les conglomérats médiatiques, puissent se permettre de poursuivre en dommages-intérêts. L'utilisation équitable, la disposition de la loi sur le droit d'auteur qui autorise des exemptions limitées (comme la citation à des fins scientifiques ou l'échantillonnage à des fins de satire), que Google et d'autres ont cherché sans relâche à étendre, doit être maintenue dans les limites traditionnelles. En 2019, l'Union européenne a adopté une loi historique, comme l'a expliqué le New York Times, qui oblige les plateformes à signer des accords de licence avec des musiciens, des auteurs et d'autres avant de publier du contenu, en fait, pour supprimer de manière proactive le matériel contrefait. Une règle comparable devrait être édictée aux États-Unis.
Mais ces mesures ne concernent que le droit d'auteur. Le problème le plus important est l'avantage extrêmement disproportionné que possèdent les plates-formes monopolistiques dans la lutte pour la tarification. Pour commencer, cette tarification est souvent mystérieuse. Nous ne savons pas ce que les plateformes paient, dans de nombreux cas, car elles ne sont pas tenues de nous le dire. C'est pourquoi les tarifs de diffusion de musique (0,44 cents sur Spotify, 0,07 cents sur YouTube) ne sont qu'une supposition, tout comme le tarif par page qu'Amazon paie via Kindle Unlimited (son Spotify pour les livres électroniques). Les artistes manquent même d'informations sur lesquelles négocier : à savoir, combien d'argent les services rapportent. Combien génère Kindle Unlimited, par exemple ? Amazon ne parle pas. Et même si nous avions ces informations, il est peu probable que les plateformes négocient même. Ce qui la dérange vraiment, m'a dit la cinéaste Ellen Seidler, c'est que personne ne veut venir à la table de l'autre côté. Au lieu de cela, a-t-elle dit, les artistes ont été vilipendés de manière assez orchestrée. Nos voix ont été étouffées. C'est David contre Goliath.
Ce qui est moins clair, c'est ce qui peut être fait pour créer une répartition plus équitable des nombreux milliards de dollars que le contenu démonétisé continue de générer, pour récupérer l'argent que les monopoles technologiques ont récupéré. Les travailleurs sont autorisés à s'organiser pour obtenir des salaires plus élevés. Lorsque les producteurs coopèrent pour fixer les prix – même en imaginant qu'une telle chose soit possible ici, compte tenu de la dispersion incroyable de la production de contenu aujourd'hui – cela s'appelle une collusion, et c'est illégal. Le gouvernement ne peut pas non plus fixer les prix, cela va sans dire.
Mais il y a une chose que le gouvernement peut faire – et comme les gens ont de plus en plus commencé à s'en rendre compte ces derniers temps, il doit absolument le faire. Elle doit briser ces monopoles. Il y a déjà des mouvements dans cette direction. En 2019, le gouvernement fédéral a lancé des enquêtes antitrust sur quatre des cinq grands, le ministère de la Justice examinant Google et Apple et la Federal Trade Commission prenant la responsabilité d'Amazon et de Facebook. Le comité judiciaire de la Chambre a également annoncé des plans pour une enquête. La même année, la Cour suprême, dans une décision sur un procès concernant l'App Store d'Apple, a signalé sa volonté de revoir son approche de la loi antitrust, une décision qui était attendue depuis longtemps. [Depuis que ce livre a été publié, les deux Etat et fédéral des poursuites antitrust ont été intentées contre Google.] De tels efforts pour freiner les grands prédateurs de la technologie, selon l'expression de la journaliste Kara Swisher, ne doivent pas dérailler. Les pouvoirs des monopoles technologiques de bafouer la loi, de dicter les conditions, d'étouffer la concurrence, de contrôler le débat, de façonner la législation, de déterminer les prix, tout cela découle directement de leur taille, de leur richesse et de leur domination du marché. Ils sont trop grands, trop riches et trop forts. Et nous devons le faire avant qu'il ne soit trop tard.
Les arts, dit-on souvent, sont des écosystèmes . Cela signifie que les talents majeurs, avec leurs réalisations durables et transformatrices, ne tombent pas du ciel, que leur émergence dépend d'une multitude d'autres individus : enseignants de l'enfance, mentors précoces, rivaux et collaborateurs de toute une vie, qui doivent tous avoir un moyen pour gagner leur vie aussi. Cela signifie que les institutions (le club local, le théâtre de 99 places, le label indépendant et la presse indépendante) ne peuvent survivre qu'avec une masse critique d'artistes à servir, qui dépendent, à leur tour, des institutions. Cela signifie que même les projets petits ou médiocres ont leur valeur, car ils donnent de l'expérience aux créateurs, et peut-être un chèque de paie, afin qu'ils puissent rester et travailler un autre jour. Cela signifie que les artistes ne peuvent pas faire leur travail si d'autres ne le peuvent pas aussi : l'éclairagiste, le rédacteur en chef, la personne qui tient les livres ou vérifie les manteaux ou vend la bière. Cela signifie que les artistes coexistent en réseaux, s'aidant mutuellement à trouver des emplois, des chambres bon marché, des opportunités, mais seulement tant qu'ils sont capables de rester dans les arts.
Alors que les institutions tremblent et s'effondrent, les professionnels de tous bords perdent leur autonomie, leur dignité, leur place.
Mais toutes les communautés sont des écosystèmes, pas seulement les arts. Dans l'écosystème économique plus large également, les baleines grossissent en affamant le plancton. La consolidation vers le monopole affecte maintenant presque tous les secteurs, et c'est la principale cause de la baisse des salaires. La tendance au travail contractuel mal rémunéré – travail à la pièce, travail à la pièce, travail temporaire – est pratiquement omniprésente. Alors que les institutions tremblent et s'effondrent, les professionnels de tous bords perdent leur autonomie, leur dignité, leur place. La richesse monte partout, et partout la classe moyenne disparaît.
Certaines des personnes à qui j'ai parlé croient que la solution pour les arts est un meilleur financement public. D'autres pensent que nous avons besoin d'un revenu de base universel. Ce sont peut-être de bonnes idées, mais je ne pense pas qu'elles résoudraient le problème. Vous voulez que le marché vote, parce que vous voulez que le public vote. En fait, vous voulez que le public ait la plupart des votes.
Les marchés, lorsqu'ils fonctionnent correctement, sont des mécanismes pour transmettre les signaux du désir - en langage clair, pour dire ce que nous voulons. Ce que nous ne voulons pas, c'est que l'art soit coupé de ça, coupé du goût populaire ; aux bureaucrates des conseils de financement des arts de nous dire ce qu'il faut vouloir. Mais les marchés doivent fonctionner correctement. Le revenu de base universel me semble être la mauvaise réponse à la bonne question. Oui, nous devons mettre de l'argent dans les poches des gens, mais mieux vaut le faire de manière organique, pas simplement par fiat - mieux vaut le faire, en d'autres termes, en restaurant tout l'écosystème, en reconstruisant la classe moyenne. Cela signifierait défaire une grande partie de ce que nous avons fait pour en arriver là : briser les monopoles ; augmenter le salaire minimum; renverser des décennies de réductions d'impôts; rétablir l'enseignement supérieur gratuit ou à faible coût ; donner aux travailleurs, une fois de plus, les moyens de s'organiser, plutôt que de les entraver constamment. Cela impliquerait également de mettre à jour les lois et les réglementations conçues pour une économie révolue afin qu'elles reflètent celle qui existe réellement : le plus évidemment, en étendant les types de garanties dont bénéficient les employés à temps plein - prestations de santé et autres, protections contre la discrimination et le harcèlement, droit à s'engager dans des négociations collectives - à l'armée croissante de travailleurs à la demande et contractuels. Vous ne devriez pas avoir à être un gagnant pour ne pas être un perdant.
Extrait de LA MORT DE L'ARTISTE : comment les créateurs luttent pour survivre à l'ère des milliardaires et de la grande technologie par William Deresiewicz. Publié par Henry Holt and Company en juillet 2020. Copyright 2020 par William Deresiewicz. Tous les droits sont réservés.