Films

Dans l'ensemble, l'art visuel a toujours été défini comme statique, m'a observé l'artiste abstrait Frank Stella en 1998, mais la tradition a toujours été d'utiliser l'illusion pour créer une sensation de mouvement. Il avait tout à fait raison, historiquement parlant. Depuis l'époque des artistes rupestres de l'ère Cro-Magnon, il y a des dizaines de milliers d'années, les artistes ont tenté de faire des images d'un monde qui se précipite, dérive, ondule et se déplace constamment. Ou comme Stella l'a dit : si quelque chose bouge, c'est comme ça que vous pouvez dire qu'il est vivant.

Bon nombre des images les plus mémorables du canon sont des personnages et des animaux en mouvement : le Victoire de Samothrace à partir d'environ 190 avant notre ère , sa draperie flottant avec la rapidité du vol; Titien Bacchus de 1520-1523, représenté en plein air sautant de son char vers Ariane ; de Marcel Duchamp Nu descendant un escalier (n° 2) (1912), comme une photographie en surimpression d'une femme nue marchant. Mais alors même que Stella parlait, les changements technologiques donnaient aux artistes la possibilité de faire quelque chose de plus : faire non seulement des images qui semblaient bouger, mais des images qui bougeaient réellement. De plus en plus, au cours de la dernière décennie et demie, ils ont exploré et exploité l'animation, c'est-à-dire faire des dessins et des peintures qui bougent.

Cette histoire faisait partie de notre numéro de septembre 2015

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Pour voir un exemple, rendez-vous à Calgary, où une tour de 24 pieds se dresse sur un site près d'East Village. Sur quatre écrans LED spécialement construits montés sur ses côtés, six personnages marchent et déambulent constamment, dessinés dans un style de simplification audacieuse mais précise, alors qu'une tête peut être simplement un cercle, leurs vêtements se regroupent et se mettent dans un sac d'une manière typiquement naturaliste. Ils tournent en rond, se regroupent et se séparent, chacun avec une démarche individuelle : une version mise à jour des figures qui courent sur un vase grec.

C'est Promenade (2012) de l'artiste britannique Julian Opie, et les méthodes qu'il a utilisées pour la réaliser impliquent une interaction entre la technologie numérique, les médias photographiques et l'invention graphique. Il a d'abord filmé des individus, puis a dessiné les images résultantes sur un ordinateur, les réduisant à des contours essentiels et épargnés.

Promenade de Julian Opie (2012)

Le monde de l'art d'avant-garde a mis du temps à se lancer dans l'animation - environ un siècle de retard, pour être précis. La première projection publique d'un dessin animé... Pauvre Pierrot de Charles-Émile Reynaud, présenté à Paris en 1892 - est en fait antérieur à la première projection d'un film (par les frères Lumière, en 1895). Il y avait cependant des raisons, à la fois pratiques et psychologiques, pour lesquelles les artistes intello n'adoptaient pas facilement les Looney Tunes.

L'animation était une très grosse affaire et un médium plus important que ne le permettent les histoires conventionnelles du cinéma. Les plus grandes stars de cinéma des années 1930 - du moins c'est ce que prétend le peintre David Hockney - n'étaient pas Clark Gable et Greta Garbo mais Mickey Mouse et Donald Duck. Mais travailler comme Disney nécessitait d'énormes ressources : des équipes de dessinateurs aux planches à dessin, un studio puissant. Et les résultats étaient la quintessence de ce que les intellectuels du milieu du XXe siècle étaient encouragés à mépriser.

L'essai Avant-garde et kitsch (1939) du critique Clement Greenberg est l'un des textes les plus influents de cette période. Dans cette dichotomie, le grand art était Braque, Miro, Mondrian, Kandinsky, Brancusi, Klee, Matisse et Cézanne. Disney était évidemment kitsch (même s'il peut être rétrospectivement salué comme un artiste important). Par conséquent, si les artistes de cette époque s'intéressaient à l'animation - comme l'a fait Harry Everett Smith (1923-1991), figure éclectique de la Beat Generation -, les résultats seraient probablement à la fois faibles en valeurs de production et non figuratifs en imagerie. Le pionnier de Smith Film n°3 : Entrelacé (1947-1949), par exemple, est une séquence scintillante de carrés et de rectangles colorés flottants. Pas Tom et Jerry mais un Mondrian mobile.

Ce que les artistes, les critiques et le public doivent décider, c'est si et quand la réalité brutale du mouvement animé est une amélioration par rapport à l'illusion.

La qualité low-tech persiste dans le travail de l'artiste sud-africain William Kentridge (né en 1955), qui s'est bâti une énorme réputation en grande partie en réalisant des films d'animation. C'était la série qu'il intitulait Neuf dessins pour projection (1989-2003) qui a vraiment attiré l'attention du monde de l'art international. Les œuvres, qui traitent de la lutte pour la liberté à l'époque de l'apartheid, présentent deux personnages récurrents, Soho Eckstein et Felix Teitlebaum.

Le terme de Kentridge pour ce qu'il fait est significatif - pas des dessins animés, ni même des films d'animation, mais des dessins projetés. Sa technique est idiosyncrasique, voire primitive. Chaque film consiste en des modifications apportées à une seule feuille de papier, qui est dessinée au fusain avec une quantité limitée de couleur appliquée au pastel. Il efface une partie de l'image et redessine pour créer chaque changement et mouvement, puis prend quelques cadres de 35 millimètres de l'image et la modifie à nouveau. Le résultat, qui contient souvent des traces fantomatiques de lignes imparfaitement effacées (Kentridge a expliqué que c'est simplement parce qu'il ne pourrait jamais faire un effacement parfait), a une qualité obsédante. L'effet d'une œuvre comme la sienne Félix en exil (1994) n'est pas tant un film d'animation qu'un dessin qui prend vie : pas lisse et professionnel, mais austère et sincère, ce qui colle parfaitement au sujet.

Félix en exil de William Kentridge (1994)

Ce genre de look consciemment dessiné à la main continue d'avoir son attrait pour les artistes qui font des animations. Les courtes animations numériques de David Shrigley, telles que Batteur sans tête (2012), ont un style minimaliste entre cartoon et graffiti, avec une touche surréaliste. (Pourquoi son percussionniste à la rythmique maniaque n'a-t-il pas de tête ?)

Le batteur sans tête de David Shrigley (2012)

Le dessin reste le point de départ du duo d'artistes se faisant appeler IC-98. IC-98 est basé à Turku, en Finlande, et est composé de Visa Suonpää et Patrik Söderlund, qui ont représenté leur pays à la Biennale de Venise 2015. Leurs animations commencent par le collage et ces vénérables outils graphiques, papier et crayon.

L'image subit ensuite une manipulation dans Photoshop ; un animateur professionnel, utilisant des outils numériques, ajoute des effets supplémentaires. Le résultat est fondamentalement un dessin de paysage qui change très lentement, parfois presque imperceptiblement, comme le fait la nature. Au cours de l'heure et 10 minutes de Une vue de l'autre côté (2011), la vue constante est celle d'un portique classique. Pendant que nous le regardons, les saisons vont et viennent, les feuilles poussent et tombent, jusqu'à ce que finalement la structure tombe en ruine. C'est de l'animation à l'échelle du temps de l'histoire et de l'écologie.

Une vue de l'autre côté par IC-98 (2011)

La Suédoise Nathalie Djurberg (née en 1978) est une autre artiste plus jeune qui s'est récemment fait connaître en utilisant une variété d'animations artisanales. Ses œuvres les plus distinctives utilisent la technique connue sous le nom d'animation d'argile, ou claymation, dans laquelle des sculptures malléables faites d'un matériau tel que la pâte à modeler sont modifiées entre les cadres pour créer l'effet de mouvement. Ce médium, utilisé avec beaucoup d'effet par Nick Park dans des films tels que Poulailler (2000) – n'est pas aussi ancienne que l'animation stop-motion dessinée, mais elle remonte à 1908. L'innovation de Djurberg n'est pas technique ; en effet, ses images en mouvement - comme celles de Kentridge - ont une qualité saccadée et non polie. La nouveauté réside dans la qualité bizarre et érotique de son sujet : une femme en surpoids énorme donnant naissance à un rhinocéros, par exemple, ou l'auto-explicatif Tigre léchant les fesses d'une fille (2004).

Photos de Tiger Licking Girl’s Butt de Nathalie Djurberg (2004)

Depuis le millénaire, de nombreux artistes ont adopté les nouvelles technologies non seulement pour créer mais aussi pour distribuer leur travail. À partir de la fin des années 1990, des logiciels tels qu'Adobe Flash ont rendu relativement facile d'être votre propre Disney ou, du moins, votre propre Kentridge. Un certain nombre de jeunes peintres, notamment en Extrême-Orient, ont utilisé ces outils pour réaliser des films d'animation et les ont affichés sur le Web afin qu'un large public puisse en profiter. L'un des premiers était Bu Hua (né en 1973). Peintre de formation et basée à Pékin, elle réalise rapidement une série de courts métrages en 2002, dont Chat .

En termes esthétiques Chat conserve une ligne expressive à main levée qui ressemble à celle de Kentridge, et l'histoire d'un parent félin et d'un chaton errants, sans abri et malheureux a une qualité émotionnelle touchante ou, selon les goûts, écoeurante. Elle a été vue 633 451 fois sur le site Flashempire.com, un chiffre qui serait extrêmement impressionnant pour une grande exposition muséale et sans précédent pour un artiste jeune et peu connu (bien que, bien sûr, tout à fait normal pour un succès viral sur le Web) .

En 2008, un autre artiste chinois, Cao Fei (né en 1978), a créé une œuvre d'art sous la forme non pas d'un film d'animation mais d'un environnement interactif généré par ordinateur : RMB City, qui existe dans le monde virtuel en ligne de Linden Lab, Second Life . C'est à la fois une œuvre d'art et une plate-forme sur laquelle d'autres œuvres peuvent être mises en scène, parmi lesquelles des expositions de films et de photographies de Cao, mettant en vedette son avatar virtuel, China Tracy. Les limbes du peuple et Modes de Chine Tracy (tous deux 2009) en sont deux exemples.

RMB City a l'apparence et les caractéristiques d'un jeu de rôle en ligne massivement multijoueur (ou MMORPG), mais aucun jeu n'est impliqué. Au lieu de cela, il s'agit d'un paysage parallèle à la Chine en expansion rapide du début du XXIe siècle, dans laquelle une grande salle de la Cité interdite coexiste avec une version du stade Herzog et de Meuron pour les Jeux olympiques de Pékin, des installations de téléportation, des immeubles de grande hauteur , et les autoroutes surélevées.

Chat de Bu Hua (2002)

C'est vraiment son heure. Comme Brian Droitcour l'a noté dans Forum artistique , peu d'œuvres ont retenu autant l'attention en 2008, sans parler des œuvres en construction (le making of de RMB City était constamment exposé à la Serpentine Gallery de Londres). Le passage d'une demi-décennie lui a donné un aspect d'époque. La technologie des jeux a évolué, produisant une vraisemblance toujours plus grande.

Toutes les œuvres d'art contiennent des indices sur la date de leur création. Mais il existe des problèmes spécifiques pour les artistes utilisant des logiciels créés pour l'animation cinématographique ou les jeux numériques. Dans quelques décennies, personne ne pourra peut-être accéder au logiciel, et il existe d'autres difficultés que la peinture à l'huile ne présente pas. Comme Julian Opie l'a fait remarquer, c'est un casse-tête incroyable d'essayer de comprendre la technologie, et cela va si vite qu'au moment où nous comprenons tout, nous constatons assez souvent que cette technologie a été abandonnée.

Choses examinées

• Promenade

  De Julian Opie (2012)

• Pauvre Pierrot

  By Charles-Émile Reynaud (1892)

• Film n°3 : Entrelacé

  Par Harry Everett Smith (1947-1949)

• Neuf dessins pour projection

  Par William Kentridge (1989–2003)

• Félix en exil

  De William Kentridge (1994)

• Batteur sans tête

  De David Shrigley (2012)

• Une vue de l'autre côté

  Par IC-98 (2011)

• Tigre léchant les fesses d'une fille

  Par Nathalie Djurberg (2004)

• Chat

  Par Bu Hua (2002)

• RMB Ville

  Par Cao Fei (2008)

• David

  De Sam Taylor-Wood (2004)

• Dame Zaha

  Mohammad Hadid
  De Michael Craig-Martin (2008)

• Portrait informatique de Laura Burlington

  De Michael Craig-Martin (2010)

néanmoins , Lui et d'autres artistes utilisent la technologie - nouvelle et pas si avant-gardiste - pour créer des œuvres que leurs prédécesseurs ne pouvaient qu'imaginer. Sur les murs de l'école de sorcellerie et de sorcellerie de Poudlard dans les romans Harry Potter se trouvent des portraits très inhabituels; les gens qui s'y trouvent s'agitent dans leurs cadres et parlent. Ces portraits émouvants ne relèvent pas de la pure fantaisie. Nous avons des images vidéo de modèles, comme celui de Sam Taylor-Wood David (2004), une chronique de 67 minutes du footballeur David Beckham endormi. Il y a aussi des portraits animés et dessinés. Opie a fait un certain nombre, y compris Hélène , Poule mouillée , George , et Jack (tous 2014) - animations informatiques continues sur des écrans LCD, qui tournent la tête et clignent des yeux.

Le peintre britannique Michael Craig-Martin a également utilisé la technologie numérique pour animer ses images, mais d'une manière différente : dans son travail, les transformations ne sont pas linéaires mais chromatiques.

Craig-Martin a réalisé un portrait de l'architecte Dame Zaha Mohammad Hadid dans cet idiome pour la National Portrait Gallery de Londres en 2008. Les lignes du portrait ne changent jamais. Mais les couleurs changent constamment de manière variée, aléatoire et contrôlée par un logiciel. Les combinaisons de couleurs potentielles sont très nombreuses. Le sien Portrait informatique de Laura Burlington (2010) divise le visage du modèle en neuf sections - cheveux, lèvres, peau, etc. - qui parcourent lentement les permutations de 44 nuances de couleurs sélectionnées par l'artiste. La gardienne est mariée à l'héritier du duc de Devonshire, et la photo est maintenant accrochée à Chatsworth House, la maison de campagne du duc, parmi les premiers portraits de Reynolds et Gainsborough.

En 1962, David Hockney a peint une image de deux hommes menacés par un énorme léopard bondissant. En lettres minuscules, il a écrit un message rassurant sur la toile : Ils sont parfaitement en sécurité ceci est un alambic. Mais de plus en plus, ce qui importe dans l'art n'est pas de créer des images qui semblent bouger – comme c'est le cas depuis l'époque des peintures rupestres de Lascaux – mais de créer des images qui bougent réellement. Ce que les artistes, les critiques et le public doivent décider, c'est si et quand cette réalité brutale est une amélioration par rapport à l'illusion. Les aurochs, les cerfs et les chevaux sur les murs de Lascaux ont été peints pour être vus à la lueur des torches vacillantes et auraient scintillé d'un mouvement apparent. Pourtant, parce qu'ils sont figés dans un instant, chaque animal possède toujours une spécificité, une qualité d'être capturé , cette animation peut trouver difficile à reproduire.

Le dernier livre de Martin Gayford est Rendez-vous avec l'art , écrit avec Philippe de Montebello. Sa dernière histoire pour Examen de la technologie MIT était Espaces Eclairés.

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